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Pingüinos barbijos se zambullen desde un iceberg (Sebastião Salgado)


El otro día me sorprendí realizando un ejercicio mental tan inútil como divertido como puede ser elegir mis fotógrafos de cabecera. Muy al estilo de “las 500 mejores canciones de Rolling Stone” o “los 10 grupos más influyentes de la historia del Rock”, ´me encontré pensando y seleccionando mis fotógrafos favoritos, los fotógrafos de cabecera, esos que por una causa u otra más me gustan, o más han significado para mí.


Y es cierto, se trata de un ejercicio inútil, que no sirve para nada más allá que el puro divertimento. Esta es la primera vez que lo pongo por escrito, así que me dispongo a seleccionar mis 10 fotógrafos de cabecera y a exponer alguno de los motivos por los que los he elegido. Y lo que es más difícil, me propongo seleccionar una única fotografía de cada uno. Si elegir diez fotógrafos se me antoja difícil, y seguro que mañana habría cambiado de opinión, elegir solo una foto de cada uno ya os digo que es imposible, así que de antemano os digo que las que elegiré no son ni las mejores ni las que más me gustan ni mucho menos las más representativas o famosas, tan solo una ínfima cata de lo que pueden ofrecer.

La lista no tiene un orden establecido y como ya he dicho no dudo que dentro de un tiempo podrá haber variado, (o no, quien sabe). Allá vamos.

1. Sebastião Salgado

El maestro de maestros, documentalista especializado en fotografía social. Su blanco y negro es impecable. Ha recorrido el mundo durante años para llevar a cabo sus proyectos, la mayoría de las veces por cuenta propia, sin encargos por parte de revista alguna o medio de comunicación. Desde hace mucho tiempo admiro su fotografía pero no fue hasta su proyecto “Génesis” que caí definitiva, absoluta e irremisiblemente rendido a sus pies. Tuve la suerte de poder acudir a la exposición de dicho proyecto celebrada en Madrid, (dos veces) y es sin duda la exposición de la que he salido más impresionado. Todos sus libros son más que recomendables, pero si tengo que elegir, sin duda elijo “Génesis”. Nunca la naturaleza ha resultado tan bella y “artística”. Uno imaginaría que debe ser fotografiada en color, con imágenes saturadas de colores y tonalidades. Nada más lejos de la realidad. Salgado consigue imágenes espectaculares, sobrecogedoras en blanco y negro.

Seleccionar una sola foto de Salgado es imposible, tan difícil como decir si quieres más a papá o a mamá. Las opciones son infinitas y todas impresionantes. Me he decantado por esta de su libro “Génesis”, la fotografía que encabeza este artículo.

2. Steve McCurry

El “Salgado” del color. El famoso fotógrafo de National Geographic, maestro del color. Sus fotografías son memorables. Ha obtenido algunos de los retratos más famosos de la historia, como el de la niña afgana que fue portada de la revista y se convirtió en un icono. Sus imágenes son apabullantes, llenas de color, texturas, con una composición equilibrada y siempre interesantes. Estos días anda el mundillo inquieto a vueltas con el retoque fotográfico en sus fotografías, pero como ya he comentado en otras ocasiones, sigo admirando su obra profundamente.

Por no repetir, me niego a seleccionar su retrato de la chica afgana, realmente increíble, y elijo esta otra foto menos conocida.

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Taj Mahal reflection (Steve McCurry)


3. Elliot Erwitt

Uno de los fotógrafos con mayor sentido del humor y cuyas fotografías rezuman siempre ironía. Frecuentemente, bajo la primera lectura de sus fotos con un toque de humor se encuentra una segunda lectura mucho más seria y en ocasiones trágica. Es un fiel representante del “Momento decisivo”, sabiendo congelar el momento exacto que da sentido a sus fotografías.

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Cristal roto con chico, Colorado, 1955 (Elliott Erwitt)


4. Tino Soriano

Otro fotógrafo de National Geographic, a quien le tengo un cariño tremendo. Su libro “Fotografía de viaje” es el responsable de que me iniciase algo más seriamente en esta afición. Lo compré justo antes de viajar de vacaciones a Costa Rica y lo devoré en el avión. Su blog personal es más que interesante, de obligatoria lectura. Todo un referente en lo que a fotografía de viajes se refiere. Cuando veo sus imágenes no puedo dejar de imaginarlo como una mezcla entre Steve McCurry y Elliot Erwitt.

Elijo una foto suya que me gusta especialmente, tomada durante los juegos de “Calcio Storico Fiorentino”.
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Calcio Storico Fiorentino  (Tino Soriano)


5. Eugene Smith

Foto-reportero, corresponsal de guerra, (fue herido en el frente del Pacífico por un mortero), documentalista y dotado de una sensibilidad extraordinaria y de una capacidad de retratar sentimientos con su cámara. Algunas de sus imágenes de guerra son de las más espectaculares que puedan verse. Visitó España durante la posguerra con un permiso para fotografiar la región de las Urdes, dejando imágenes desgarradoras a pesar de ser vigilado de cerca por los “guías” asignados por el franquismo. Y desgarradoras también las tomadas en Minamata, Japón, en un reportaje para documentar los efectos de la enfermedad de Minamata provocada por los metales pesados vertidos por la empresa Chisso Company. Durante ese reportaje incluso fue agredido por empleados de Chisso que le costó parte de la visión de un ojo. Pese a la dureza de las imágenes, se filtra también una gran humanidad. Especialmente recomendable es la serie “Médico rural”, reportaje realizado para LIFE.

He elegido una foto suya de su periodo de convalecencia tras ser herido en el frente. Eugene Smith permaneció dos años inactivo y tuvo que someterse a varias operaciones. Durante ese periodo no tocó una cámara hasta que decidió forzarse y volver a su actividad. En el campo cerca de su casa salió a pasear con sus hijos pequeños y tomó esta foto. Tardó un año y medio en darse cuenta de la importancia de esa imagen, para la gente y para él mismo. La tituló “Paseo hacia un jardín del paraíso”.

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Paseo hacia un jardín del paraíso (Eugene Smith)


6. Eve Arnold

Algunos de los retratos más bellos han sido tomados por Eve Arnold. Muchos de ellos suelen ser tomados durante los descansos en los rodajes, sin posados, logrando una naturalidad en ellos que de otra forma no sería posible. Como ya dije en alguna otra ocasión, Marilyn Monroe nunca pareció más bella que los retratos de Eve Arnold.

He elegido un retrato un poco particular de Richard Burton y Elisabeth Taylor. La foto fue realizada en 1963 y por entonces ambos mantenían un romance pese a estar ambos casados. Un año después se casaron. Sin embargo, en la foto ambos parecen estar hablando al mismo tiempo dirigiéndose a dos contertulios distintos, con las miradas cruzadas, ignorándose mutuamente y tanto en sus rostros con en sus gestos, parece haber un reproche, como un reflejo de la tumultuosa relación  que les aguardaba.

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Richard Burton y Elisabeth Taylor en un pub durante el rodaje de Becket (Eve Arnold)


7. Andreas Feininger

Feininger no era un tipo simpático. No le gustaba tratar con la gente, relacionarse. Su interés no era el retrato de personas, sino las cosas (irónicamente una de sus más famosas imágenes es un retrato del fotógrafo de Magnum, Dennis Stock, una de las más icónicas imágenes de la revista LIFE). Feininger era arquitecto, trabajó con Le Corbusier, pero finalmente se decantó por la fotografía. Escribió algunos manuales de fotografía de gran calidad. Se vio fuertemente atraído por la ciudad de Nueva York y sus edificios, rascacielos y puentes. Pero también por los grandes espacios naturales del medio oeste americano, que desde niño le habían atraído.

Sus fotos presentan una composición de una gran simplicidad, muy influenciada por la escuela de la Bauhaus a la que perteneció. He elegido esta imagen de un helicóptero despegando de 1949.

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Helicóptero despegando, (Andreas Feininger)


8. Ansel Adams

Otro gran maestro del blanco y negro. Es el inventor del sistema de zonas, un método empleado durante el revelado que permite crear una correlación directa entre la escena tal y como el fotógrafo la ve y la copia impresa. Sus fotografías son sinónimo de maestría y se caracterizan por un gama de tonos muy amplia fruto del empleo del sistema de zonas en la exposición y el revelado, así como un nivel de profundidad de campo espectacular. Adams, trabajó ampliamente con cámaras de gran formato que le permitían un control exhaustivo tanto del enfoque como de la aplicación del citado sistema de zonas. Fue también co-fundador del grupo f/64, llamado así a propósito de la minúscula apertura del diafragma que utilizaban con sus cámaras de gran formato.

La fotografía elegida corresponde al río Snake en el parque nacional de Grand Teton, en las Montañas Rocosas. Es un claro ejemplo de la profundidad de campo que podía lograr y del refinado mapeado de tonos logrado. Recomiendo encarecidamente contemplar otras fotografías de Adams realizadas en diversos parques nacionales, tales como las vistas de El Capitán o el Half Dome.

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The Tetons and the Snake River (Ansel Adams)


9. Robert Doisneau

Su nombre está profundamente ligado a París y especialmente a una fotografía tomada en la plaza del ayuntamiento, conocida como “Le baiser de l’hôtel de ville”, una de las imágenes más reproducidas. Sin embargo su trabajo va mucho más allí de esa icónica foto. Doiseau disfrutaba recorriendo las calles y fotografiando la vida. Tenía un fino sentido del humor. Fue un documentalista de la vida cotidiana muy al estilo de  Eugene Atget, salvo que en sus fotografías solía incluir a los protagonistas del día a día de aquel París que estaba a punto de desaparecer. Entre sus temas recurrentes se encontraban los niños jugando en la calle.

De Doisneau elijo esta foto, con el juego de miradas entre la mujer, el marido y el cuadro de un desnudo. La foto forma parte de una serie que no tiene desperdicio, imágenes de las reacciones de la gente ante un cuadro de un desnudo expuesto en un escaparate. Todo un ejemplo de su forma de mirar el mundo.

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Le Regard Oblique (Robert Doisneau)


10. Andre Kertesz

Un tipo realmente particular, un genio ignorado durante mucho tiempo por el gran público al que se le reconoció finalmente su categoría. Sin embargo siempre fue uno de los modelos y referentes para los compañeros de profesión, convirtiéndolo en un maestro de maestros. Henry Cartier-Bresson siempre consideró que fue un hombre adelantado a su tiempo y declaró que “Inventemos lo que inventemos, Kertész siempre fue el primero”. En efecto sus imágenes son “modernas” tanto compositiva como técnicamente.

Fue sin embargo un hombre amargado y creo yo, desgraciado, pensando siempre que el mundo no le reconocía el mérito de su obra. Kertesz siguió haciendo fotos hasta el día de su muerte. Para mi sus imágenes en planos picados son una delicia, la sencillez de un tenedor posado sobre un plato o las series de distorsiones dignas de admiración.

He elegido esta foto del parque Wasington Square nevado por ser un claro ejemplo de composición perfecta.

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Washington Square 1954. (André Kertész)


Me dejo fuera muchos, muchos fotógrafos de renombre y más todavía no tan conocidos. En algunos casos no he querido incluir a grandes genios, HCB, Robert Capa, Koudelka, Brassaï… Pero podría haberlos incluido. De hecho, ¿Por que no los he incluido? Ya estoy dudando; sabía que esto iba a pasar…

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